Da bambino, Guillermo del Toro disegnava le immagini della creatura del film “Frankenstein” di Mary Shelley; da giovane regista, sognava di realizzare la propria versione della storia che aveva dato vita ai film horror classici per gran parte del secolo scorso. E ora, all’età di 61 anni, il regista che ha vinto l’Oscar per “La forma dell’acqua” e “Pinocchio” ed è stato nominato per “Il labirinto del fauno” e “Vicolo degli incubi” ha finalmente realizzato il suo “Frankenstein”.
La sua visione è un racconto gotico monumentale che minimizza l’orrore ed enfatizza il desiderio e l’angoscia della creatura: il creaturanon il mostro – modellato e portato in vita dal Dr. Victor Frankenstein.
“È molto intenso e operistico”, ha detto la costumista Kate Hawley, e questa è una descrizione accurata dell’aspetto, dell’atmosfera e del suono di “Frankenstein”. È anche meravigliosamente romantico ed è il prodotto di un gruppo estremamente internazionale di artisti e artigiani, da del Toro (Messico) agli attori Oscar Isaac (Guatemala), Jacob Elordi (Australia) e Christoph Waltz (Austria), insieme a Hawley (Nuova Zelanda), la scenografa Tamara Deverell (Canada), il direttore della fotografia Dan Laustsen (Danimarca), il truccatore Mike Hill (Regno Unito) e il compositore Alexandre Desplat (Francia).
Visivamente il film è sconcertante. Mentre l’iconografia familiare di “Frankenstein” deriva in gran parte dai classici film di James Whale degli anni ’30 “Frankenstein” e “La sposa di Frankenstein”, del Toro ha attinto da Shelley, Whale, dalla sua immaginazione e dalla creatività dei suoi collaboratori.
“Ho riletto ‘Frankenstein’ di Mary Shelley e abbiamo guardato i vecchi film”, ha detto Deverell. “Ma in realtà, l’ho affrontato come se stessi girando un film su Guillermo. Per me è un film in costume. Alcune persone hanno detto: ‘No, è una fantasia.’ Ma è entrambe le cose, davvero. Guillermo spinge verso il fantastico, ma la spinta è basata sulla realtà.
“Ed è una visione collettiva. Kate Hawley porta le sue idee di design per i costumi, e Dan ha idee su come illuminarli, e Guillermo spinge e spinge tutti noi. Tutti i capi dipartimento capiscono qual è la sua visione fin dall’inizio.”
Per Deverell, i progetti chiave includevano la sontuosa tenuta della famiglia Frankenstein, messa insieme da cinque luoghi diversi; la barca intrappolata in un campo di ghiaccio artico dove si svolge il climax del film, originariamente progettata con legno scuro ma modificata con interni bianchi, che del Toro vede come il colore della morte; e il laboratorio della torre dove Victor Frankenstein dà vita alla sua creatura in una delle sequenze più importanti del film.
“Ho cercato di istruirmi sulla scienza dell’epoca e sui motori a vapore dell’epoca”, ha detto Deverell. “Quelle enormi torri di batterie potrebbero esistere in qualche regno possibile? Non proprio, ma ho trovato ispirazione negli esperimenti di (Nikola) Tesla e negli esperimenti di galvanizzazione del corpo umano. E sono stato sicuramente influenzato da quei primi film.”
Questa scena è stata un fulcro anche per altri. “Quella sequenza era molto complicata”, ha detto il direttore della fotografia Laustsen, che ha illuminato il film principalmente attraverso le finestre esterne. “La scena inizia mentre il sole sta scomparendo, diventando l’ora magica, e loro corrono sul tetto sotto la pioggia e i fulmini.
“Ma poi torniamo in laboratorio e passiamo dal fumo al vapore, che è molto più organico. Quindi il fumo scompare dalla stanza, il vapore entra e i fulmini ci danno le luci principali.
“La bellezza è che è l’unica luce chiave che abbiamo nella scena. Quando Victor alza lo sguardo, ad esempio, il fulmine colpisce e lui viene spento (visivamente), e poi si riduce di nuovo a una sagoma. È stato fantastico farlo, ma molto complicato e un po’ mal di testa all’inizio.”
Il compositore Desplat aveva scelto un violino lamentoso come strumento caratteristico della creatura, enfatizzandone la fragilità e la delicatezza piuttosto che la forza bruta che emerge sullo schermo. Ma per la scena della creazione, ha abbracciato un suono profondo e tonante che aveva evitato finché il fulmine non ha iniziato a lampeggiare e le macchine di rianimazione non si sono accese.
“Non volevo che il film sembrasse gotico”, ha detto. “Ma quella sensibilità arriva in un momento specifico nella torre. È il momento romantico supremo del film, e gli arpeggi dell’organo si aggiungono a questo vortice di follia che sta accadendo con Victor Frankenstein.”
Tuttavia, si teneva lontano dalla musica eccessivamente orribile. “Sarebbe troppo duro, troppo oscuro, troppo cruento”, ha detto. “Quindi, spostando il punto di vista dal pubblico a Victor, l’artista che sognava il momento in cui avrebbe potuto finalmente realizzare il suo capolavoro, puoi catturare la sua esaltante eccitazione, la sua gioia”.
La creatura che si rianima in quella scena è ben lontana dalla versione standard che venne erroneamente etichettata come “Frankenstein”. (Questo è il nome del creatore, non della creazione.) A differenza della creatura originale interpretata in modo così memorabile da Boris Karloff, qui non c’erano bulloni al collo, né punti pesanti.
“Se avessi già visto un certo numero di queste creature cinematografiche di Frankenstein, penseresti: ‘Ragazzi, questo ragazzo ha avuto un incidente e qualcuno lo ha ricucito'”, ha detto il truccatore Hill. “Volevamo che lo guardaste e diceste: ‘No, questo è appena coniato. Qualcuno.’ fatto Questo.'”
Hill ha creato motivi geometrici per suggerire che pezzi di pelle fossero stati cuciti insieme secondo uno schema piuttosto che dopo un incidente, e poi ha escogitato dei modi per far maturare la creatura man mano che il film andava avanti, principalmente attraverso i suoi capelli che si allungavano. Hill consultò anche libri di medicina del 1850 e lavorò con del Toro per determinare il colore della pelle della creatura.
“Con Guillermo, posso usare un arcobaleno di colori pastello e lui ci riesce, perché gli piace la bellezza mescolata alla bruttezza”, ha detto. “Guillermo era interessato a far sembrare la pelle come l’alabastro, quindi abbiamo usato tonalità rosa e blu che si vedevano in alcune aree brunite.”
Un totale di 42 pezzi protesici sono stati progettati per coprire l’intero corpo di Elordi ma gli permettono comunque di controllare le sue espressioni facciali, richiedendo un’applicazione di 10 ore e una chiamata a mezzanotte per l’attore in alcuni giorni.
La truccatrice ha anche aggiunto una sorta di uovo di Pasqua sulla fronte di Elordi: un’unica zona di pelle grigio-blu. “Questo è un omaggio a Boris Karloff, perché la sua pelle era blu Max Factor”, ha detto. “Ho reso omaggio al mio eroe.”
Quando è arrivato il momento di vestire la creatura, Hawley ha evitato anche la versione di James Whale. “Quello che abbiamo fatto deriva dal testo, dove ha fasi di sviluppo molto deliberate”, ha detto. “L’immaginario religioso era molto forte nella scena della creazione, e questo, insieme all’idea della nascita, ha dettato le fasi iniziali della creatura. Il suo corpo è stato preso dal campo di battaglia di Crimea, così come il suo mantello, quindi alludiamo alla sensazione della pelle di un altro uomo sopra di lui.
“E poi abbiamo studiato come si muoveva Jacob, lavorando dall’interno verso l’esterno in modo che i miei vestiti non si staccassero come uno strato esterno.”
Per l’abbigliamento di Isaac nei panni di Victor, Hawley si è concentrato su di lui non come scienziato pazzo ma come artista e dandy del XIX secolo, con tocchi di pavoni del XX secolo come Jimi Hendrix e David Bowie.
“C’è una qualità narcisistica in lui e un’ossessione per sua madre”, ha detto. “C’è molto da fare lì.”
E c’è molto da fare con i vestiti mentre i soldi di Victor finiscono e il suo lavoro diventa più febbrile. “Il mio team tessile aggiungeva le macchie del suo lavoro: il sangue, le fuoriuscite di acido della batteria, l’usura su quegli indumenti.”
Tutta la follia è stata catturata dalle fotocamere Arri Alexa 65 di grande formato. “Guillermo mi ha detto: ‘Mi piacerebbe fare un film classico, ma in un modo moderno'”, ha detto Laustsen. “La visione di Guillermo è sempre molto forte. Per me, il film parla di amore e perdono, e questa è una cosa molto potente in questo momento.”
Questa storia è apparsa per la prima volta nel numero Below-the-Line della rivista TheWrap Awards. Leggi di più sul problema qui.
