Il 2025 è stato un anno pieno di momenti cinematografici, emozionanti e devastanti, catartici ed esilaranti. Molti dei migliori film dell’anno hanno regalato scene che da allora si sono rivelate difficili da dimenticare. Alcuni, come “Una battaglia dopo l’altra” di Paul Thomas Anderson “Sinners” di Ryan Coogler e “No Other Choice” di Park Chan-wook presentava momenti, letture e scene memorabili sufficienti a giustificare intere liste da sole.
Nella speranza di essere brevi ed esaurienti, però, ecco solo le sette migliori scene di film del 2025.
La ferrovia sotterranea, “Una battaglia dopo l’altra”
“Una battaglia dopo l’altra” ha diverse scene che potrebbero essere considerate tra le migliori dell’anno, incluso l’inseguimento culminante di tre auto su quelle alte colline asfaltate. Ma la sequenza della ferrovia sotterranea del film, il suo tour maniacale e pieno di ansia attraverso l’organizzazione del santuario degli immigrati di Sensei Sergio (Benicio del Toro), è altrettanto mozzafiato e impressionante di qualsiasi altra scena che avresti potuto vedere sul grande schermo quest’anno. Lo sceneggiatore-regista Paul Thomas Anderson e il direttore della fotografia Michael Bauman girano la sequenza con lunghe riprese a mano libera che non sono solo tecnicamente sorprendenti ma aumentano l’urgenza vertiginosa dell’intero pezzo.
E questo per non parlare delle battute in corso tra Sensei Sergio e Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) durante tutta la scena, o il modo compassionevole con cui il primo – anche in mezzo a tutto il caos del momento – si assicura che Bob incontri e impari il nome di ogni immigrato che ha accolto. C’è un’umanità meravigliosa e disordinata che irrompe praticamente in ogni fotogramma di “Una battaglia dopo l’altra”, ma forse mai più di questa sequenza.
La performance finale, “Hamnet”
Potrebbe non esserci tratto di cinema più potente uscito quest’anno degli ultimi 20 minuti del regista “Hamnet” di Chloé Zhao. Attraverso gli occhi dell’addolorata Agnes interpretata da Jessie Buckley, agli spettatori viene mostrata un’umile rappresentazione teatrale di “Amleto”. Sebbene inizialmente confusa e arrabbiata per l’uso del nome di suo figlio nell’opera, Agnes arriva a vedere i dettagli personali intrisi nella sua storia da suo marito, William Shakespeare (Paul Mescal). Finisce per vedere se stessa nello spettacolo, e così fanno tutti gli altri nel teatro, che piangono collettivamente il suo eroe condannato, che prende il nome dal suo defunto figlio (Jacobi Jupe), con lei.
Alcuni hanno sostenuto che il finale di “Amleto” non arriva perché “Amleto” stesso non è un riflesso 1:1 della storia di Agnes e Will, ma questo scrittore sostiene che è proprio questo il motivo per cui fa lavoro. Agnes trova significato e catarsi in “Amleto”, nello stesso modo in cui lo facciamo tutti nelle storie che spesso assomigliano molto poco alla nostra vita. Negli incredibili momenti finali del suo nuovo film, Zhao cattura sullo schermo quel fenomeno miracoloso e profondamente umano in una serie di spunti musicali, immagini, tagli e primi piani che creano insieme un’esperienza cinematografica euforica. Guardare la fine di “Hamnet” significa vedere uno degli aspetti più belli dell’esistenza umana reso pienamente, in tutta la sua potenza, sullo schermo.
Memento Mori, “28 anni dopo”
“28 Years Later” raggiunge il suo devastante picco emotivo nel suo atto finale. Quando il giovane eroe Spike (Alfie Williams) e sua madre malata Isla (Jodie Comer) incontrano finalmente il dottor Ian Kelson (Ralph Fiennes), li accompagna al suo rifugio sicuro: un tempio fatto di ossa umane. Lì, Kelson esegue un esame su Isla e determina che ha il cancro e che si è diffuso al punto che nessuno può salvarla.
Ciò che segue è un confronto con la morte, un riconoscimento che tutte le cose devono finire, in cui Kelson dà a Isla una morte più pacifica. Guidata dalle eccezionali performance di Fiennes, Williams e Comer, l’intera sequenza diventa una meraviglia strana, morbosa e inaspettatamente commovente. È una delle migliori scene che il regista Danny Boyle e lo sceneggiatore Alex Garland abbiano mai creato, insieme o separatamente.
La canzone di Sammie, “Sinners”
Se il 2025 ha una scena cinematografica caratteristica, probabilmente è questa. “Sinners” dello sceneggiatore e regista Ryan Coogler trascorre gran parte della sua prima ora costruendo pazientemente verso la sua seconda metà elettrizzante e intrisa di sangue. Manda gli spettatori a precipitarsi in quest’ultima sezione con un’esibizione di punto centrale del giovane musicista blues Sammie (Miles Caton) che è così potente che non solo evoca spiriti del passato e del futuro, inclusi chitarristi elettrici, DJ e ballerini di twerking, ma brucia anche brevemente e spiritualmente il tetto e i muri intorno a lui. Coogler mette in scena questa sequenza come un’ininterrotta ripresa steadicam che si snoda attorno alla sede di Sammie, superando i suoi numerosi spiriti vestiti in modo anacronistico e a tempo con la colonna sonora incendiaria e stratificata del compositore Ludwig Göransson.
Questa sequenza e la sua improvvisa, brusca svolta nel mondo spirituale e metaforico rappresentano A Big Swing da parte di Coogler. Dire che connette sarebbe un eufemismo. Come pezzo di cinema sportivo, è impeccabile. Ma funziona ancora meglio come rappresentazione visiva dei temi del film e come riconoscimento del ruolo che la musica può svolgere sia nell’esprimere che nel curare il dolore e la speranza di un’intera cultura. Manda sia “Sinners” che i suoi spettatori direttamente nella stratosfera, anche se solo per pochi istanti.
Dovere della giuria, “Scusa, tesoro”
“Sorry, Baby” della sceneggiatrice e regista Eva Victor racconta la sua storia in capitoli separati e dalla forma distinta, nessuno dei quali probabilmente rimarrà nella mente degli spettatori più a lungo della deviazione dovuta al dovere della giuria. Una breve storia in sé e per sé, la scena segue Agnes di Victor mentre lotta per trovare il suo posto nel processo quotidiano di selezione della giuria. Dopo aver istintivamente alzato la mano quando ai membri della giuria presenti viene chiesto se qualcuno di loro è stato vittima di un crimine, Agnes finisce per essere interrogata indirettamente sulla sua violenza sessuale al college e sulle sue conseguenze.
La scena funziona sia come testimonianza della forza della scarsa scrittura di Victor, sia come esplorazione agrodolce della rigidità del sistema giudiziario, della sua definizione binaria della legge e di quanto sia inadatto prendersi cura delle vittime di stupro e aggressione. Hettienne Park, da parte sua, offre una delle migliori interpretazioni in una scena dell’anno nei panni dell’avvocato che lentamente si rende conto sia della natura che della complessità del trauma di Agnes. Quando arriva, il suo eventuale licenziamento di Agnes dalla giuria arriva sia come un sollievo che come un tranquillo pugno nello stomaco.
La Gara, “Valore Sentimentale”
Ci sono molte cose da apprezzare in “Sentimental Value” del regista Joachim Trier, ma nessuna è più puramente impressionante della sua rappresentazione lucida e sincera della disfunzione familiare e del trauma generazionale. In nessun punto del film questo aspetto è reso in modo più potente di quando il regista e padre Gustav Borg (Stellan Skarsgård) incontra sua figlia Nora (Renate Reinsve) in un bar locale e le propone il ruolo principale nel suo prossimo film, il tutto mentre le passa la spessa sceneggiatura completa. Reinsve e Skarsgård regalano due delle migliori performance dell’anno in “Sentimental Value”, e la potenza di entrambi i loro turni è in piena mostra in questa scena.
Notate la confusione negli occhi di Nora mentre lotta per comprendere ciò che suo padre le sta chiedendo, così come la delusione quando si rende conto che non riceverà le scuse o il conforto che desiderava da tempo da lui. Mentre sei lì, nota anche la disperazione negli occhi di Skarsgård, il desiderio di farsi capire da sua figlia che è limitato dalla sua incapacità di spiegarsi apertamente. C’è un dolore immenso e inespresso negli sguardi di entrambi gli attori. Il dolore della disconnessione dei loro personaggi emerge all’improvviso, senza preavviso, e conferisce a questa semplice conversazione la forza emotiva di un treno merci.
L’uccisione a tre, “Nessuna altra scelta”
Nessun regista vivente fa sembrare i blocchi complessi così facili come “Nessun’altra scelta” il regista Park Chan-wook lo fa. Questo è vero per molte scene del suo ultimo film, incluso quando il protagonista disperato e disoccupato Yoo Man-su (Lee Byung-hun) decide di uccidere Goo Beom-mo (Lee Sung-min), uno dei suoi concorrenti per una posizione di lavoro presto aperta. Il tentativo di omicidio di Man-su va rapidamente storto, prima quando Beom-mo scopre l’infedeltà di sua moglie (Yeom Hye-ran) e poi di nuovo quando lei blocca il colpo di Man-su.
I tre inetti aspiranti assassini lottano tutti per impossessarsi della pistola di Man-su in una sequenza che utilizza brillantemente una commedia fisica e nera come la pece per trasformare una semplice scena d’azione in un’esaltante ed esasperante corsa da brivido. La successiva fuga di Man-su lungo molteplici e tortuose strade forestali segna, come l’indimenticabile scena dell’impiccagione in “The Handmaiden” del 2016, un altro esempio di Park che abbraccia una sorta di senso di commedia fisica da cartone animato alla “Looney Tunes”. Basti dire che ripaga a palate. L’impareggiabile comprensione e l’occhio del regista per la geografia del widescreen sono, per dirla semplicemente, in piena mostra in questa scena e in molte altre in “No Other Choice”.
